Texte : Jaap van Hamond

Après le sombre album solo de la chanteuse Emily Sprague, consacré à la mort de sa mère, le groupe de folk américain Florist revient trois ans plus tard sous la forme d’un quatuor. Leur quatrième album, qui porte le nom du groupe lui-même, est une vignette de la vallée de l’Hudson où un groupe de meilleurs amis s’accorde à dire que la vie – y compris la peur, la douleur et la perte – est plus belle lorsqu’elle est partagée.

Avec pas moins de 19 titres, « Florist » est l’album le plus audacieux et le plus ambitieux du groupe à ce jour, regorgeant d’ébauches instrumentales qui sonnent comme des fragments de morceaux plus longs de musique minimaliste, de caractère impressionniste. Entre les deux, il y a les chansons, avec des productions colorées où instrument, voix et environnement jouent un rôle égal. Il est tout à fait logique que les enregistrements de terrain et l’électronique du projet parallèle de Sprague se retrouvent dans le contexte folk de son groupe, et pourtant, il est étonnant de voir à quel point la guitare, les synthétiseurs vacillants et le chant des oiseaux s’accordent parfaitement. Prenez ‘Red Bird Pt. 2 (Morning)’, dont le prédécesseur est sorti deux albums plus tôt. C’est typiquement Florist, avec le jeu de guitare sinueux de Sprague et sa rêverie poétique sur l’inévitabilité de la mort d’un être cher : « How can it be that the days go on and the red bird sings its red bird song « . Le deuil est toujours là, mais l’instrumentation supplémentaire des membres du groupe de Sprague est comme une couverture réconfortante. Dans le dernier refrain, les synthés chaleureux rappellent les cornes de l’album éponyme de Bon Iver en 2011, mais au lieu de l’hiver, on est en plein printemps. 

Le flow remarquable de l’album a pris naissance dans un cottage de l’État de New York, où le groupe a passé un mois à faire de la musique dans la véranda, parmi les arbres de la vallée de l’Hudson. Une nouvelle façon de travailler pour eux, mais qui a porté ses fruits : Les enregistrements sont clairs comme de l’eau de roche et tendres comme le toucher d’un pétale de fleur, mais portent en eux des imperfections et du relâchement. Par exemple, la batterie de « 43 » est terne et le morceau est plein de bruits parasites. Mais pas à la manière d’une playlist Spotify Lo-Fi Beats bon marché, plutôt à la manière d’un vieil équipement poussiéreux qui donne à la musique beaucoup de direction émotionnelle et de caractère. Le solo de guitare est dans le mixage comme un voilier à l’horizon que l’on voit quand on est à la plage : immanquable dans sa silhouette mais déformé par la distance et la chaleur. C’est un peu comme Big Thief à l’époque de UFOF/Two Hands, mystique avec un côté brut. 

D’autres points forts se trouvent dans la subtilité et les détails : le chant de grillons en arrière-plan dans « Spring In Hours », la voix fragile de Sprague dans le sombre « Dandelion », les cascades de piano sculpté dans « Sci-Fi Silence ». Dans cette dernière chanson, il est beau de voir comment Sprague souligne le rôle que le silence a joué dans son processus de deuil. Un silence étranger qui reste quand quelqu’un n’est plus là. « Come, you’re not what I have but what I love » chante tout le monde ensemble dans l’un des moments les plus tranquilles de l’album. 

« L’objectif est de partager les liens et les relations du groupe, mais aussi la façon dont nous sommes tous connectés », déclare Sprague à propos de l’album. Florist illustre une acceptation du présent, une connexion redécouverte avec son prochain. Faire de la musique avec des amis dans un environnement vert et dynamique, telle est la raison d’être de Florist. « That’s pretty cool », remarque Sprague dans la chanson de feu de camp « Organ’s Drone », et ça l’est assurément.

Florist est en tournée aux États-Unis pendant l’été, aucune date de tournée européenne n’a encore été annoncée.

Double Double Whammy